Peintre français né en 1983, Jazzu est la signature d’un autodidacte dont la modestie fait frontière avec la timidité.
Jazzu peint comme il respire, par-delà les filiations, les courants et les codes. C’est donc probablement la vitalité et la sincérité de son geste, qui ont déjà mené galeristes et vendeurs à faire cohabiter ses toiles avec celle de Combas ou de Speedy Graphito.
Pas de posture dans sa peinture, pas de préméditation, Jazzu est un instinctif qui travaille le ressenti dans une alchimie de couleurs et de matière que lui dictent ses sujets. Porté par la nécessité de traduire ce qu’il perçoit de l’actualité culturelle et politique de notre époque, on pourrait dire de sa peinture qu’elle est brute au sens primitif de l’acte pourtant elle sait se faire sensuelle en texture, parfois même épidermique tant il y a d’humain dans le trait.
Les univers parallèles de Rayk Goetze
Avec « Barbaric Splendour » Rayk Goetze crée un univers étrange : les personnages se détachent sur des fonds abstraits prêts à les ensevelir. Il s’agit moins d’une matérialisation de l’être et d’une dématérialisation du monde que la mise en abîme du premier dans le second. La peinture trouve là une force métaphysique.
Issu de la Nouvelle Ecole de Leipzig il poursuit la recherche d’un nouveau langage pictural en s’inspirant des Maîtres de la Renaissance, du Maniérisme et du Baroque. Existe la quête de l’identité là où les êtres semblent saisis d’un arrêt sur image qui les fixe dans leurs mouvements. La solitude semble insécable de telles présences énigmatiques : impressionnisme, expressionnisme et abstraction se mêlent superbement dans un monde aussi ténébreux que luminescent.
L’œuvre est intelligente, impertinente voire fracassante et parfois drôle mais au second degré. Il ne s’agit plus de mettre sur la rétine du postiche ou du fantasme dans le mental. La surface n’est plus l’infirmière impeccable des identités. Elle se distend comme une peau usée là où l’imaginaire ne cesse de la tarauder. Tout se met à flotter, à fluctuer en diverses dérives qui ouvrent des seuils. L’image par ses effets de franges et de torsions les franchit.
Jean-Paul Gavard-Perret
Publication L’internaute, Jean-Paul Gavard-Perret, le 08/05/2017.
WALTER STÖHRER« LA FUREUR DU GESTE »
Né le 15 Janvier 1937 à Stuttgart et mort le 10 avril 2000 à Scholderup, Walter Stöhrer entreprend initialement une formation de graphiste publicitaire, de 1952 à 1954, avant de rejoindre l’Académie des Arts de Karlsruhe en 1955. Il y suit les cours de HAP Grieshaber et embrasse le mouvement de la Nouvelle Figuration, s’opposant alors à l’abstraction, mouvement dominant de l’époque. Influencé par le mouvement CoBrA, les « dessins psychanalytiques » de Pollock ou encore Dubuffet ou l’art brut, il développe dans sa peinture et sa gravure un geste rapide, furieux, entre composition et spontanéité.
Si ses toiles viennent immédiatement à l’esprit, ses créations plus graphiques, notamment ses gravures, ne doivent pas être omises. Son œuvre demeure résolument unique dans l’art du XXe siècle et a eu une grande influence sur la création artistique de l’époque.
En 1959, il s’installe définitivement à Berlin. De 1981 à 1982, il est convié par l’UdK, l’Université des Arts de Berlin pour enseigner en tant que professeur invité. En 1984, il devient membre de l’Académie des Arts de Berlin et en 1986 enseigne en tant que professeur agréé de l’Université des Beaux-Arts de Berlin.
Entre 1962 et 2000, il a gagné de nombreux prix en Allemagne, en France et en Italie. Ses œuvres sont exposées dans de nombreux Musées et Institutions aux U.S.A., en Allemagne et au Danemark. En 1999, la Fondation a été créée à son nom.
« Écriture et Poésie : le geste maîtrisé »
Dans la mouvance de la prestigieuse rétrospective consacrée à Cy Twombly au Centre Pompidou, la Galerie Charron a le privilège de présenter sept lithographies de l’artiste, tirées du portfolio « Six Latin Writers and Poets », réalisé en 1975 et publié en 1976. La galerie Charron propose avec cette exposition intitulée « Ecriture et poésie, le geste maîtrisé » un questionnement autour du signe, du trait et du mot, à travers les démarches de Cy Twombly, Walter Stöhrer et László Lakner, trois poètes de la peinture de la deuxième moitié du XXe siècle.
Avec ce portfolio, Cy Twombly rend hommage aux Anciens par le biais de références à la littérature antique. Témoignage de la passion de l’artiste pour les ressources mythologiques, il en dresse un savant mélange entre élaboration de l’écriture et inspiration du mythe, faisant émerger les six noms de ces poètes et écrivains latins. Tantôt limpide et assuré, tantôt d’un aspect plus tourmenté, avec des superpositions d’écritures, ce style n’est pas sans rappeler les travaux de László Lakner et Walter Stöhrer. L’œuvre de ces artistes constitue une réflexion constante sur la tension entre abstraction et figuration. Elle vient également imposer le geste en tant que nouvelle forme d’écriture, avec toujours, à l’origine, le lyrisme. Bien loin de son aspect informatif premier, le mot apparaît alors comme un espace de liberté plastique et se trouve au cœur de la composition spatiale de l’œuvre. Face à ces tableaux, le regardeur se trouve dans une condition où l’affect prime et peut laisser libre court à son imaginaire face au mot et ce qu’il évoque.
Walter Stöhrer, dont la technique évoque les premiers travaux de Cy Twombly, vient insuffler sa poésie au sein d’une peinture voluptueuse et mouvementée, où des figures incomplètes se mêlent à un alphabet pour former ses « Malerei und Grafik » (Peinture et Graphisme). Le « Schopenhauer » de László Lakner, pour qui la gestuelle de l’écriture est fondamentale – et souvent monumentale – se veut quant à lui esquisse de lettre, faite d’une graphie combinée à une composition spatiale toute particulière.
L’exposition « Écriture et Poésie : le geste maîtrisé » vient présenter la rencontre de cette nouvelle écriture avec le pictural : le graphème, à l’origine de la peinture, du dessin et de l’écriture, n’est rien d’autre qu’un signe. Les espaces complexes, savamment composés tout en laissant place à la spontanéité, associent linéarité brute, chiffres, et explosions de couleurs, révélant au fil des coulures toute l’expressivité de ces artistes révolutionnaires.
« Le Minotaure emblématique » de l’artiste peintre Francky Criquet
Tout jeune, il se passionne pour les objets d’art de toutes sortes qu’il voit passer autour de lui et notamment pour les dessins et les peintures. Cette expérience le marque pour toujours et fait naître en lui le désir de dessiner, de peindre et de modeler pour son pur plaisir avec un grand talent précoce.
En 1978, à dix ans, il réalise pour l’école primaire de Verron où il est élève, une fresque murale. Il en peint une autre pour son collège en 1980. Cette année-là, il a douze ans, il gagne le premier prix du concours de la Jeune Peinture organisé par la ville du Mans. Ses dessins sont exposés l’année d’après à la mairie de La Flèche.
Francky Criquet mène son propre apprentissage en restaurant et en retouchant gravures et peintures sur le chantier familial.
Dès ses 18 ans, il se décide à vendre de l’antiquité sur de nombreux marchés et salons d’antiquaires. Il lui arrive parfois de restaurer des tableaux anciens pour des antiquaires. Certains tableaux finissent exposés dans des musées, comme à Nantes, ou chez des collectionneurs.
À côté de ce travail, il écrit de la poésie, des nouvelles, s’intéresse au théâtre, donne des cours, dessine, peint, sculpte, fait de la céramique et expose à Nantes (aux Transbordeurs en 1980, à l’Atelier La Gobretière en 1992-93, à Atelier d’Art d’Art en 1993-94).
En 1995, Francky Criquet part pour l’Espagne où il travaille une année en Andalousie. Il peint dans l’atelier de Julio Fernandez Ceballos Montalban qui devient son maître de peinture. L’année suivante, c’est vers l’Angleterre qu’il émigre. Il y réalise plus de trois cents tableaux qui seront vendus plus tard aux États Unis.
À la fin de 1996, il revient en France et se mobilise dans les travaux d’architecture et de réhabilitation de l’espace troglodyte dont il a conçu l’aménagement dans le Maine et Loire. Ceci ne l’empêche pas de peindre et d’exposer à Paris, Lyon et Marseille. Jamais, en effet, il ne s’arrête de créer : dessin, peinture, sculpture et sont pour lui une nécessité quotidienne, une part incontournable de sa vie, également ponctuée de présentations au public, aux amateurs et collectionneurs.
En 2003, des expositions sont organisées par ses galeristes au Brésil, à l’Ambassade de France à Sao Paulo; aux Pays Bas à Megen ainsi qu’en Italie. L’année suivante, ses œuvres sont montrées à New York et à Miami. De 2005 à 2008, il expose régulièrement en Chine. Sa galerie, Sangshan Art, organise de nombreuses expositions à Shanghaï, à Pékin et à HangZhou.
Dans la même période, il continue d’exposer dans les plus grandes villes de France : Paris, Marseille, Lyon ou La Rochelle. En 2010, il entame une collaboration avec une nouvelle galerie italienne qui lui organise plusieurs expositions en Italie, à Rome, à Montefalco et à Brescia.
Les Archives Yves Klein, avenue du Maine à Paris, organisent une exposition de ses peintures et céramiques. L’année suivante, Francky Criquet se consacre pleinement à son art en atelier, réalisant sculptures et peintures
En 2015, il reprend son indépendance et décide de travailler avec diverses galeries à Lyon, Angers et Paris. De nombreux projets sont en cours, mais c’est une autre histoire.
Manfred Hamm // La légende de la photographie allemande
PART II : THE BERLIN WALL // DIE BERLINER MAUER
La galerie Charron présente les photographies de Manfred Hamm tirées de sa série Le mur de Berlin.
« Pionnier et maître de la photographie d’architecture » selon le journal allemand Der Spiegel, Manfred Hamm, né en 1944, est devenu célèbre avec ses prises de vues de bâtiments industriels aux allures de clichés d’une archéologie contemporaine dans laquelle l’humanité aurait disparu – « les sites antiques de demain ». Manfred Hamm n’aime pas le digital. Pour lui la magie ne s’opère pas avec des photos digitales. Son secret, la patience et son amie de toujours, sa caméra Plaubel. Un travail photographique en quête d’un esthétisme, d’une extrême netteté, parfaitement éclairé et cadré avec soin avec une précision époustouflante.
Manfred Hamm est l’un des photographes qui connaît le mieux Berlin. En décembre 1976, il part avec le projet de photographier la tombe de Théodor Fontane et se retrouve devant un obstacle insurmontable qu’est le mur de Berlin. Il décide alors de prendre cet obstacle comme objectif. A partir de 1976 Manfred Hamm va documenter le mur de Berlin qui se transforme peu à peu pour lui comme une sorte de décor de théâtre avec ses graffitis et ses motifs surprenants comme par exemple le cheval qui n’a aucune idée du caractère menaçant de cet édifice mortel. Son travail photographique est un documentaire tel l’aurait fait un « ethnologue ». « Je voulais toujours être un ethnologue se confie Manfred Hamm mais l’un de mes professeurs m’en a dissuadé car j’étais trop romantique ». Manfred Hamm a su capter des instants d’histoire… durant cette période en ajoutant sa déclaration d’amour à la capitale berlinoise et sa contribution à ce bouleversement historique. Manfred Hamm a mis fin à son travail photographique quand Kodak a abandonné la production de ces pellicules si chères à Manfred Hamm, qui lui permettaient de créer une profondeur photographique jamais atteinte avec une autre pellicule.
Manfred Hamm // La légende de la photographie allemande
PART I : INTERIORS // INNENANSICHTEN
La galerie Charron présente les photographies de Manfred Hamm tirées de ses séries Bibiothèques, Salles de Concert et Bourses.
« Pionnier et maître de la photographie d’architecture » selon le journal allemand Der Spiegel, Manfred Hamm est devenu célèbre avec ses prises de vues de bâtiments industriels aux allures de clichés d’une archéologie contemporaine dans laquelle l’humanité aurait disparu – « les sites antiques de demain ». Manfred Hamm n’aime pas le digital car pour lui la magie ne s’opère pas ainsi. Son secret, sa caméra « Plaubel » et son amie de toujours, la patience. Un travail photographique en quête d’un esthétisme, d’une extrême netteté, parfaitement éclairé et cadré avec soin avec une précision époustouflante. Son travail photographique est un documentaire tel l’aurait fait un « ethnologue ». « Je voulais toujours être un ethnologue » se confie Manfred Hamm « mais l’un de mes professeurs m’en a dissuadé car j’étais trop romantique ». Ainsi, il immortalise des lieux publics marquants de la société. Le photographe traduit l’amplitude de ces espaces, par nature immenses, en employant conjointement dans ses clichés la force de la couleur et la rigueur de la perspective axiale. Les lieux des clichés présentés à la galerie Charron sont vidés de toute existence humaine et photographiés de l’intérieur du bâtiment. Cela amène à reconsidérer ces « morceaux d’architectures » en dehors de toute activité humaine, voire de leur fonction habituelle. Ce focus sur les entrailles des constructions permet ainsi de voir une vision renouvelée de l’architecture, mettant en valeur la structure interne des lieux, avec une perception esthétisante et autosuffisante de l’architecture. Manfred Hamm a mis fin à son travail photographique quand Kodak a abandonné la production de ces pellicules qui lui étaient si chères et lui permettaient de créer une profondeur photographique jamais atteinte avec une autre pellicule.
L’exposition « Drôle d’oiseaux » à travers les réflexions du photographe Petit jean.
Artiste français né en 1972, le photographe Petit Jean propose un univers insolite où le pigeon semble avoir remplacé l’Homme, invitant le spectateur à une immersion saisissante. Les clichés sont réalisés à partir de maquettes uniques faites entièrement à la main, qu’il photographie ensuite sans aucuns trucages, avec des temps de pose longs pour un effet plus réaliste.
En véritable scénographe, l’artiste pousse cet anthropomorphisme à son paroxysme en projetant les volatiles dans une organisation modèle, reflet de nos propres vies. Les pigeons de Petit Jean sont immortalisés lors de toute sorte d’activités : au musée, à l’hôpital, à l’hôtel, au restaurant ou encore au supermarché. En confondant notre réalité et celle des oiseaux, Petit Jean participe à la prise de conscience du changement de statut de l’animal dans nos sociétés. Il s’attache à faire évoluer notre regard face au vivant et au long chemin qu’il reste à accomplir pour reconnaitre que l’homme et l’animal ne peuvent vivre et survivre l’un sans l’autre.
Les portraits que Cécile Decorniquet propose dans ses séries se jouent des limites de la représentation et nous font partager un monde onirique empreint de fantaisie et de poésie. À l’encontre du regard mélancolique, l’artiste habille, grime ces petites filles, les fait poser à la manière des grandes dames victoriennes. L’espièglerie qui s’en dégage lance un défi au spectateur. Son univers qui mélange à la fois les grands portraits de la peinture primitive flamande, de la peinture baroque espagnole et de toute évidence les photographies d’Alice Liddell de Lewis Carroll, est trompeur. Une forme d’irréalité entoure ces visages qui, du coin de l’œil, nous jettent un regard narquois. Là où la photographie imprime une forme de réalité, Cécile détourne sa fonction initiale, nous donne à voir une figure fantasmée de l’enfance et nous révèle un monde surréaliste, comme si nous étions passés de l’autre côté du miroir. Laetitia Guillemin
The portraits that Cécile Decorniquet presents in her series play with the limits of representation and share a dreamy world full of fantasy and poetry. Unlike the melancholic gaze of her Models, the artist dresses these little girls up, in the manner of tall Victorian ladies. The playfulness that radiates from the photos, challenges the viewer. Decorniquet’s universe, which mixes both the great portraits of Flemish and the Spanish Baroque paintings as well as the photographs of Alice Liddell by Lewis Carroll, is misleading. A form of unreality surrounds those faces who cast a cunning glance at us from the corner of their eyes. While photography captures a form of reality, Cécile abstracts this original function, allowing us to see a fantasized figure of childhood, revealing a surreal world as if we had passed on to the other side of a mirror. Laetitia Guillemin
