» Lascaux » : Après le succès de l’exposition thématique Lascaux China 2018 à Wuhan et Hangzhou (Chine) au début de l’été 2018, la Galerie Charron a choisi de proposer en France la variation sur le même thème intitulé Lascaux Paris 2018. Elle présentera exclusivement une exposition d’huiles sur papiers sous forme de petits triptyques et de diptyques aux allures d’intérieurs de grottes contemporaines, comme l’a imaginé et conçu le peintre Mickaël Doucet…
Au moment où l’Humain a trouvé le moyen d’exprimer par le dessin ses sensations ou ses émotions, il a noirci les murs des cavernes et des grottes de son environnement … Nous connaissons tous les fabuleux témoignages de ces milliers d’années passées, empreintes des hommes préhistoriques laissées sur les murs des célèbres grottes de Lascaux, Altamira ou encore plus récemment la grotte de Chauvet en France. Cette envie impérieuse de communiquer, par des dessins sur des parois, restera peut-être à jamais baignée de mystère. La première apparition de l’Art se situe donc il y a entre 35 et 40.000 ans : l’Art pariétal. Il s’est développé depuis, à travers des dizaines de civilisations différentes : de l’empire Byzantin à l’Egypte ancienne, en passant par la Grèce antique et bien sûr la Chine. Autant de témoignages de la créativité humaine au fil des siècles, à travers des cultures et d’approches spirituelles différentes …Du charbon de fusains sur les murs ingrats des cavernes, aux hiéroglyphes tracés précisément sur les papyrus égyptiens, en passant par les célèbres encres de chine créées avec grâce sur le papier de riz, les moyens d’expressions sont devenus nombreux et complexes.
La série Lascaux Paris 2018 est un travail d’équilibre pictural ; elle s’articule autour du thème des vestiges picturaux des grottes préhistoriques, par la représentation au fusain et à la craie noire sur des murs blancs d’habitations très contemporaines de dessins d’animaux ; le peintre a voulu une version très graphique de ces animaux représentés qui rappellent bien évidemment les dessins des cavernes mais avec une touche plus asiatique.
Cette série Lascaux est d’ailleurs dans la continuité de la série précédente nommée Shao Huo où ces êtres de papier, tels des totems ou des sculptures étranges et cathartiques venaient hanter les feuillages extérieurs aux habitations rassurantes. On retrouve dans la nouvelle série les vestiges des plantes de la série précédentes, cette fois mis en scène avec grâce et une certaine idée de la beauté, de l’agencement, de l’harmonie avec les meubles chers à Mickaël Doucet, les tapis chamarrés aux motifs divers ou les chaises que l’on retrouve maintenant dans ses œuvres comme une réelle signature. Le tout est composé de manière à laisser circuler la vie dans l’œuvre, comme un souffle de l’esprit venant habiter le papier sur lequel la peinture vient marquer son empreinte.
Exposition » Héroïne « . L’art de Rayk Goetze fusionne différentes techniques de peinture et se place entre la figuration et l’abstraction. On peut le comparer à des collages dynamiques pleins de vitalité. L’artiste fait référence à la peinture de la Renaissance dans ses œuvres composites qui portent un regard ironique sur le monde contemporain.
Les peintures figuratives de Rayk Goetze sont une succession de fenêtres ouvertes avec leur propre intensité nous invitant à une quête picturale. Il crée des connotations actualisées dans un cadre historique, sans pour autant nier ses vieilles tendances magistrales, mais en leur permettant d’interagir dans une compréhension progressive de celle-ci. Ceci est peut-être comparable à un palimpseste, dont le processus de réécriture rend une nouvelle création possible. De cette façon, Goetze tend à transformer sa technique de peinture de motif dans un discours dialectique, en utilisant une conception de surface différenciée.
Julia Weber M.A.
RDV en galerie pour la Nocturne du 14.06 en collaboration avec les Jeudi Arty pour découvrir les oeuvres aériennes de notre sculpteur fétiche et poétique Alexandre Bour.
Les sculptures d’Alexandre Bour sont composées de matériaux bruts et d’installations de lumières jouant sur les ombres portées. Comme transparentes et néanmoins habitées, ses œuvres flottent en apesanteur. En suspendant ces silhouettes de fils métalliques, l’artiste créé un monde de douceur et de légèreté. La prouesse de sa technique est mise en valeur grâce au jeu de clair-obscur qui dévoile la délicatesse de chaque pièce, tout en révolutionnant la conception que l’on se fait des œuvres d’art. Il compose avec des éléments insaisissables tel que l’ombre et la lumière.
Alexandre Bour livre avec douceur l’assujettissement du fil de fer. Dompté par la légèreté d’un doigté artisanal le fil se cambre, danse et se courbe sous les mains de son créateur. L’objet final après cette lutte de matière prend la forme d’installations aériennes de personnages suspendus, composés de métal, d’ombre et de lumière qui transcendent la perception du spectateur dans l’espace. Ce sculpteur français met en scène une habile chorégraphie mêlant à la fois le devenir du fil de fer qui s’entrelace et également la gestuelle du curieux amené à valser autour de l’objet pour le découvrir sous toutes ses facettes. Ainsi lorsque le spectateur contemple ces personnages virevoltant dans l’espace aérien, son regard est également transcendé par cette présence parallèle de l’ombre qui se reflète sur le mur, créant une perception subjective de plusieurs réalités en interaction. Cette « ombre-reflet » est également appelée « skia » dans la Grèce antique. Le dédoublement de la ligne induit par l’ombre portée donne une lecture dynamique en deux points de vue différents sur un même objet. La sculpture devient un véritable dessin dans l’espace, elle est alors pensée en termes de structure. La production de ces croquis en volume est le résultat d’un travail complexe de projection, passant par l’influence réciproque de la technique et du dessin. Cette pratique artistique cache un travail minutieux et délicat.
Cette ré-introduction de l’ombre comme constituant à part entière de l’objet d’art renvoie au mythe précurseur de l’histoire de la représentation figurée. On raconte, quelques siècles avant J.C., l’histoire d’une jeune fille du village de Dibutade qui, pour ne pas oublier le visage de son amant partant à l’étranger, « entoura d’une ligne l’ombre de son visage, projetée sur le mur par la lumière d’une lanterne ». De fait Alexandre Bour avec romantisme et virtuosité capture les mouvements du corps pour donner vie à des histoires et à des personnages qui semblent sortis tout droit d’un rêve. L’artiste représente avec réalisme des visages, des corps mais aussi la faune et la flore. L’harmonie des lignes met en lumière une justesse d’expression. Ses personnages ont un caractère anecdotique, mis en scène tels des micro-récits. L’artiste propose ainsi une invitation au voyage à celui qui pose son regard sur ces œuvres.
Lors de son exposition intitulée « Rings of Fire » l’artiste Stani se réinvente en utilisant un support inhabituel : des peaux de batterie. Ces plateaux circulaires en matière synthétiques sont initialement utilisés pour des instruments de musique. Ces nouvelles œuvres font écho en particulier à la culture électronique berlinoise, car l’artiste est un grand passionné de musique.
Stani est un artiste qui a su développer une approche esthétique qui lui est propre. Malgré un univers très personnel, il puise ses références chez des grands maîtres comme Basquiat. L’emploi de couleurs vives et contrastées associées à une ligne graphique et dynamique apportent de la profondeur à ses toiles. La combinaison de l’acrylique et du pastel crée une pigmentation riche et généreuse mettant en lumière les personnages de ses œuvres.
A mi-chemin entre l’art brut et l’art urbain, Stani donne du rythme à ses peintures en y ajoutant des mots à la craie, semblables à des griffonnages juvéniles créant ainsi un langage universel imprégné de la rue. Cet artiste entretient une fascination pour les lettres, les mots. Ces écritures ne sont pas dénuées de sens, elles sont chargées de significations cachées. Nous pouvons citer en exemple le mot « wild » qui est présent à plusieurs reprises dans ses peintures ou encore le mot « emotion » utilisé à fin satirique dans sa peinture « King robot ».
D’un geste instinctif et énergique il dépeint son quotidien, conférant à ses toiles un caractère autobiographique. C’est dans la rue, au gré de ses rencontres, de ses voyages et de son ressenti que Stani alimente son art et trouve une abondance de supports. Ses œuvres font donc écho à son passé. Il improvise à partir de sujets récurrents comme par exemple son chien Doggy ou bien son inspiration féminine et muse Tina.
Il choisit de développer une écriture libre, primitive et anarchique pour évoquer la culture populaire, l’art urbain et l’énergie de la rue. Les formes géométriques créent un univers robotique. Le primitivisme pictural dialogue avec un univers post-moderne.
Ses œuvres sont non seulement esthétiques mais thématiques. Il aborde des faits sociétaux avec un ton léger afin de faire passer et exprimer des messages libertaires. L’artiste utilise son art comme médium de communication pour exprimer sa philosophie de vie et ses rébellions contre la société moderne. En effet, nous pouvons penser à la phrase « life is a fake » tirée du tableau « Music Paradise ».
Pour la série « Rings of Fire », l’artiste se renouvelle en peignant sur un support atypique, celui de plateaux circulaires en peaux synthétiques qui sont initialement utilisés pour des instruments musicaux comme la batterie. Ces nouvelles œuvres font écho en particulier à la culture électronique berlinoise.
Ecce Homo :
Peu importe l’endroit où se trouve le spectateur lorsqu’il est confronté visuellement aux productions de l’artiste peintre Jazzu, il a soudainement l’impression d’être parachuté dans une sphère spatio-temporelle et de faire partie de cette bande de jeunes adolescents découvrant les peintures rupestres des grottes de Lascaux. Les créations de cet artiste baroudeur sont riches, denses, signifiantes à la manière de l’expression écrite des premiers hommes. De manière libre et fusionnelle, l’artiste transfigure sur la toile les ressentis de sa condition humaine. On y voit des visages, des corps de femmes et d’hommes, des animaux, des symboles, des mots, des lettres, des chiffres. Dans les peintures de Jazzu – à la manière de Champollion découvrant les hiéroglyphes – le commun des mortels scrute avec réminiscence ces éléments leurs permettant de construire leurs propres mythologies. Les écritures calligraphiées, les variations des tracés, les marques de main, les gribouillis, l’utilisation d’une palette de couleurs diversifiées et les symboles réunis par l’artiste convoquent la sensibilité d’une mémoire collective. Certains peuvent y voir des références à l’histoire – celle historique mais aussi artistique, des allusions à l’actualité contemporaine comme d’autres peuvent y projeter leurs histoires personnelles. Cette peinture libre, brute, spontanée, en plus d’être l’héritière des peintures rupestres des premiers hommes, peut également être vue comme un hommage au style de l’art urbain, celui : du graff, des tags, du street-art, des cris insoumis et révolutionnaires, des actions insubordonnées. Jazzu s’empare de la toile comme un graffeur de son mur. Il marque son territoire, il immortalise son idéologie et ses prises de position. Il rend visible son ressenti face au monde de manière anarchique et onirique.
L’esthétique des toiles se caractérise par une volonté de « all-over », le sujet de la peinture semble s’extraire des carcans du tableau, continuer au-delà des limites du châssis dans le hors-champs. Cette technique dynamise et rend vivante les productions de l’artiste dont la cadence semble rythmée par les aléas, les imprévus et les débordements de nos quotidiens. A l’instar de son homologue Basquiat, les toiles de Jazzu sont de différents formats, la tradition de la perspective et de la profondeur est bafouée au profit d’une expérimentation plane du sujet central de la peinture, la griffe du dessin est rapide, impulsive, émancipée, variée et les thèmes sont inspirés par les aspects véraces et voraces de la vie. Jazzu est un de ces artistes modernes dont la soi-disant simplicité à user de la peinture comme exutoire continue de faire rêver.
Dans cette nouvelle série intitulée « Face aux reflets », Sabine Christmann dispose avec harmonie et ingéniosité des objets de la vie quotidienne tels que des sacs publicitaires, des bouteilles et des produits alimentaires sur des fonds épurés, tout en jouant avec les reflets. Optant pour une représentation hyperréaliste, elle propose aux spectateurs des éléments inhabituellement représentés en peinture, extirpés de leur contexte, tout en travaillant sur le rendu et la texture du verre, du papier froissé et de la transparence. Les tons froids et les bleus dominent ces compositions qui rappellent des natures mortes modernisées, où il ne reste plus que l’emballage et la marque, symboles de la consommation occidentale. Les objets sont positionnés sur une surface jouant un rôle de miroir, et l’attention se porte sur les lignes créées par ce dédoublement ainsi sur les ombres. Il y a une véritable interaction entre les éléments qui semblent avoir été posés là par hasard, et une nouvelle considération des objets auxquels l’artiste confère une dimension artistique. Sabine Christmann ne se focalise pas sur une quête d’objectivité, mais sur l’interaction entre la perception objective et subjective, et sur le rendu général donné par des éléments individuels. Ces derniers sont assemblés pour créer de petites histoires tout en faisant appel à la réalité propre de chacun, ce qui permet d’étendre la signification donnée par l’artiste elle-même. Les objets de tous les jours apparaissent comme des personnages sur scène, ils prennent des attitudes, cherchent la proximité ou la distance, même si leur position est fixée dès le début, le processus de peinture n’est jamais planifié et laisse des traces visibles sur la surface rugueuse.
« Dans le calme, les objets du monde des consommateurs apparaissent comme des personnes sur une scène. La «pièce» qu’ils jouent demeure ambiguë et intrigante. La peinture elle-même, qui est sensible dans sa matérialité et dans les stimuli de surface, ainsi que l’emploi de sa propre perception sont d’une importance capitale pour moi. »
Les histoires inventées par Sabine Christmann sont variées, parfois intentionnelles ou coïncidentes en fonction de la personne qui contemple son œuvre. L’artiste revendique l’impossibilité d’une représentation objective en peinture, qui au contraire est porteuse de la subjectivité qui s’écoule involontairement pendant le processus de création.
Cette exposition a fait l’objet d’un article de Jean Paul Gavard Perret, critique littéraire et d’art contemporain dans Carnet d’art
- Née en 1970 sur l’île ensoleillée de Majorque, elle aime l’art et les mathématiques depuis l’enfance. Elle est diplômée de Central Saint Martins en 2005.
Exposition « Trangression » du 25 janvier au 24 février 2018
» Je suis profondément inspirée par notre société qui est souvent le thème de mes œuvres. Depuis 2009 je travaille sur un concept que j’appelle la « Liquid painting ». Elle est née de la nécessité d’exprimer les nouvelles caractéristiques de la société contemporaine. Elle est fortement influencée par le concept de Modernité Liquide de Zygmunt Bauman, qui décrit la métamorphose de la modernité, passant d’une phase solide à une phase liquide, caractérisée par une société qui a perdu ses repères solides et est en changement constant. Les individus, pour suivre, doivent devenir liquides. De même, mes Liquid Paintings ont perdu la partie qui pourrait leur donner toute la solidité, à savoir: leur support. Il n’y a donc plus de toile, bois, papier ou autre pour garder la peinture en forme. L’œuvre est libre de s’adapter à n’importe quelle forme sur laquelle elle repose ou elle peut être juste pendue seule. Dans le figuratif ou l’abstrait, elle devient sujet et matière. Je me sers de cela, pour mener une exploration picturale sur la physicalité de la peinture même et sa relation inhérente avec la lumière, créant, parfois de formes et volumes en la réintégrant au support grâce à des épingles, colles, etc., d’autres fois, cherchant des nouvelles relations entre peinture et support, ou encore, juste dévoilant sa condition de surface contenant du processus créatif du dessin initial à l’image finale. «
« Les faits divers » sont généralement appréhendés du côté du spectaculaire. Ils restent dans les mémoires en tant qu’événement marquant qui a fait la une. Relatés par les médias comme pour en faire une fiction attrayante, ils finissent dénués d’humanité. Avec la série « Faits divers », Rafiy nous propose de nous pencher sur la cause des faits divers et non leurs conséquences tragiques, qui est généralement le fait d’un peuple qui souffre. Rafiy est un intranquille qui capte les mouvements du monde et travaille autour de l’humain pris au piège de l’histoire, du quotidien, de l’existence. Il nous incite ainsi à un devoir de mémoire différent de celui proposé par les outils de communication médiatiques.
Shao Huo, la dernière série du peintre français Mickaël Doucet. Cette appellation mystérieuse trouve son origine dans la culture chinoise du XIXe siècle, désignant les figurines de papier qui symbolisaient la vie des défunts et qui étaient brûlées lors de leurs funérailles.
Au-delà des mots, le peintre dévoile un nouvel univers, tout aussi énigmatique que ce titre le présageait. Comme à son habitude, Mickaël Doucet offre à la vue des morceaux d’espaces, évoquant subtilement ici et là des questionnements inhérents à la condition humaine, mais la rupture avec sa série précédente des Villégiatures est bel et bien consommée.
Le peintre montre un aspect différent de ses villas, plus intime et plus profond, comme si l’observateur avait enfin pu pénétrer ces espaces lisses. On quitte les grandes surfaces carrelés et bétonnés des Villégiatures et leurs perspectives sans fins pour rejoindre des pièces plus familières, dans lesquels on retrouve le goût de l’artiste pour le mobilier design. Mickaël Doucet nous introduit presque secrètement dans des espaces réduits ; au détour d’une chambre à coucher, d’un bureau ou d’un boudoir.
Le contraste entre l’espace clos intérieur et l’immensité extérieure fait naître l’angoisse d’une menace imminente. On ne se focalise plus sur l’intérieur, on le confronte à l’extérieur, comme une nouvelle possibilité, une échappée… ou bien une brèche dans la forteresse humaine. Les baies vitrées ont toujours ce même rôle transitoire entre deux mondes, mais dont la fragilité annonce la prise de dessus imminente de l’un sur l’autre. Celles-ci laissent filtrer la lumière, élément plastique primordial pour la technique du peintre qui met en place des jeux de textures et de profondeurs. Les Shao Huo évoqués dans le titre de la série sont incarnés par la présence d’origamis qui se dissimulent dans une végétation luxuriante ou pour certains qui ont déjà pénétré le monde intérieur. Les courbes offertes par les éléments de végétation viennent perturber la linéarité des intérieurs. De la même manière, le silence et l’immobilité des intérieurs semblent contrebalancés par l’extérieur indompté et l’apparition des origamis. L’équilibre est bouleversé, les Shao Huo se sont introduits à l’intérieur par les issues laissées délibérément ouvertes par l’artiste.
Les Shao Huo peuvent être perçus comme des allégories de la violence et de la mort, données indissociables de l’humanité, et bien en accord avec leur fonction funéraire initiale. Ces créatures de papier paraissent être porteuses d’une nouvelle angoissante, celle d’une apocalypse à venir. Tels des émissaires du chaos, les origamis donnent toute leur puissance suggestive aux toiles et nourrissent le récit de l’artiste. Celui-ci complexifie sa grille de lecture et introduit des références à une mythologie universelle. Il refuse pourtant l’idée d’une opposition binaire entre vie et mort, laissant à l’observateur son droit à l’interprétation et au questionnement. Après tout, cela ne pourrait être qu’un mauvais rêve…
Shao Huo is the title of the latest series of works by the French painter Mickaël Doucet. Its mysterious name finds its origin in the Chinese culture of the XIXth century, for the paper figurines which symbolized the life of the dead and which were burned during their burial.
The painter reveals a new universe that is beyond words and as enigmatic as the title portends. As usual, Mickaël Doucet offers the spectator pieces of space, by subtly evoking here and there an inherent questioning of the human condition, but the break with his previous series of Villégiatures (Resorts) is indeed compete.
The painter shows a different aspect to that of his villas – one that is more intimate and deeper, as if the observer had finally been able to penetrate into these smooth spaces. We leave the large tiled and grey concrete floors of the last series and their perspectives without purposes to join more familiar rooms, in which we find the taste of the artist for designer furniture. Mickaël Doucet introduces us almost secretly into reduced spaces, through a bedroom, office or boudoir.
The contrast between the closed internal space and the outer immensity creates the anxiety of an imminent threat. We do not focus any more on the inside; we confront it with the outside, as a new possibility, a breakaway … or a breach in the human fortress.
Bay windows have always the same passing register between two worlds, but whose fragility announces the imminent influence of one on the other.
The windows let light filter through – an essential plastic element for the technique of the painter who establishes a play of textures and depths. The Shao Huo mentioned in the title of the series are embodied by the appearance of origamis which hide themselves in a luxuriant vegetation or, in some cases, have already penetrated into the inner world. Curves offered by the elements of vegetation disrupt the indoor linearity. In the same way, the silence and stillness of the interior seem offset by untamed outsides and the apparition of origamis. The balance is upset, The Shao Huo were inserted through entries deliberately left open by the artist.
The Shao Huo can be perceived as allegories of violence and death – inseparable ingredients of humanity, following their initial funeral function. These paper creatures seem to be the source of an alarming event, an imminent apocalypse. Like envoys of chaos, origamis give all their suggestive power to the paintings and nurture the statement of the artist. This one makes the interpretation more complex and introduces references to a universal mythology. He nevertheless refuses the idea of a binary opposition between life and death, leaving interpretation and questioning for the observer. After all, it could just be a bad dream…
