Lors de son exposition intitulée « Rings of Fire » l’artiste Stani se réinvente en utilisant un support inhabituel : des peaux de batterie. Ces plateaux circulaires en matière synthétiques sont initialement utilisés pour des instruments de musique. Ces nouvelles œuvres font écho en particulier à la culture électronique berlinoise, car l’artiste est un grand passionné de musique.
Stani est un artiste qui a su développer une approche esthétique qui lui est propre. Malgré un univers très personnel, il puise ses références chez des grands maîtres comme Basquiat. L’emploi de couleurs vives et contrastées associées à une ligne graphique et dynamique apportent de la profondeur à ses toiles. La combinaison de l’acrylique et du pastel crée une pigmentation riche et généreuse mettant en lumière les personnages de ses œuvres.
A mi-chemin entre l’art brut et l’art urbain, Stani donne du rythme à ses peintures en y ajoutant des mots à la craie, semblables à des griffonnages juvéniles créant ainsi un langage universel imprégné de la rue. Cet artiste entretient une fascination pour les lettres, les mots. Ces écritures ne sont pas dénuées de sens, elles sont chargées de significations cachées. Nous pouvons citer en exemple le mot « wild » qui est présent à plusieurs reprises dans ses peintures ou encore le mot « emotion » utilisé à fin satirique dans sa peinture « King robot ».
D’un geste instinctif et énergique il dépeint son quotidien, conférant à ses toiles un caractère autobiographique. C’est dans la rue, au gré de ses rencontres, de ses voyages et de son ressenti que Stani alimente son art et trouve une abondance de supports. Ses œuvres font donc écho à son passé. Il improvise à partir de sujets récurrents comme par exemple son chien Doggy ou bien son inspiration féminine et muse Tina.
Il choisit de développer une écriture libre, primitive et anarchique pour évoquer la culture populaire, l’art urbain et l’énergie de la rue. Les formes géométriques créent un univers robotique. Le primitivisme pictural dialogue avec un univers post-moderne.
Ses œuvres sont non seulement esthétiques mais thématiques. Il aborde des faits sociétaux avec un ton léger afin de faire passer et exprimer des messages libertaires. L’artiste utilise son art comme médium de communication pour exprimer sa philosophie de vie et ses rébellions contre la société moderne. En effet, nous pouvons penser à la phrase « life is a fake » tirée du tableau « Music Paradise ».
Pour la série « Rings of Fire », l’artiste se renouvelle en peignant sur un support atypique, celui de plateaux circulaires en peaux synthétiques qui sont initialement utilisés pour des instruments musicaux comme la batterie. Ces nouvelles œuvres font écho en particulier à la culture électronique berlinoise.
Ecce Homo :
Peu importe l’endroit où se trouve le spectateur lorsqu’il est confronté visuellement aux productions de l’artiste peintre Jazzu, il a soudainement l’impression d’être parachuté dans une sphère spatio-temporelle et de faire partie de cette bande de jeunes adolescents découvrant les peintures rupestres des grottes de Lascaux. Les créations de cet artiste baroudeur sont riches, denses, signifiantes à la manière de l’expression écrite des premiers hommes. De manière libre et fusionnelle, l’artiste transfigure sur la toile les ressentis de sa condition humaine. On y voit des visages, des corps de femmes et d’hommes, des animaux, des symboles, des mots, des lettres, des chiffres. Dans les peintures de Jazzu – à la manière de Champollion découvrant les hiéroglyphes – le commun des mortels scrute avec réminiscence ces éléments leurs permettant de construire leurs propres mythologies. Les écritures calligraphiées, les variations des tracés, les marques de main, les gribouillis, l’utilisation d’une palette de couleurs diversifiées et les symboles réunis par l’artiste convoquent la sensibilité d’une mémoire collective. Certains peuvent y voir des références à l’histoire – celle historique mais aussi artistique, des allusions à l’actualité contemporaine comme d’autres peuvent y projeter leurs histoires personnelles. Cette peinture libre, brute, spontanée, en plus d’être l’héritière des peintures rupestres des premiers hommes, peut également être vue comme un hommage au style de l’art urbain, celui : du graff, des tags, du street-art, des cris insoumis et révolutionnaires, des actions insubordonnées. Jazzu s’empare de la toile comme un graffeur de son mur. Il marque son territoire, il immortalise son idéologie et ses prises de position. Il rend visible son ressenti face au monde de manière anarchique et onirique.
L’esthétique des toiles se caractérise par une volonté de « all-over », le sujet de la peinture semble s’extraire des carcans du tableau, continuer au-delà des limites du châssis dans le hors-champs. Cette technique dynamise et rend vivante les productions de l’artiste dont la cadence semble rythmée par les aléas, les imprévus et les débordements de nos quotidiens. A l’instar de son homologue Basquiat, les toiles de Jazzu sont de différents formats, la tradition de la perspective et de la profondeur est bafouée au profit d’une expérimentation plane du sujet central de la peinture, la griffe du dessin est rapide, impulsive, émancipée, variée et les thèmes sont inspirés par les aspects véraces et voraces de la vie. Jazzu est un de ces artistes modernes dont la soi-disant simplicité à user de la peinture comme exutoire continue de faire rêver.
Dans cette nouvelle série intitulée « Face aux reflets », Sabine Christmann dispose avec harmonie et ingéniosité des objets de la vie quotidienne tels que des sacs publicitaires, des bouteilles et des produits alimentaires sur des fonds épurés, tout en jouant avec les reflets. Optant pour une représentation hyperréaliste, elle propose aux spectateurs des éléments inhabituellement représentés en peinture, extirpés de leur contexte, tout en travaillant sur le rendu et la texture du verre, du papier froissé et de la transparence. Les tons froids et les bleus dominent ces compositions qui rappellent des natures mortes modernisées, où il ne reste plus que l’emballage et la marque, symboles de la consommation occidentale. Les objets sont positionnés sur une surface jouant un rôle de miroir, et l’attention se porte sur les lignes créées par ce dédoublement ainsi sur les ombres. Il y a une véritable interaction entre les éléments qui semblent avoir été posés là par hasard, et une nouvelle considération des objets auxquels l’artiste confère une dimension artistique. Sabine Christmann ne se focalise pas sur une quête d’objectivité, mais sur l’interaction entre la perception objective et subjective, et sur le rendu général donné par des éléments individuels. Ces derniers sont assemblés pour créer de petites histoires tout en faisant appel à la réalité propre de chacun, ce qui permet d’étendre la signification donnée par l’artiste elle-même. Les objets de tous les jours apparaissent comme des personnages sur scène, ils prennent des attitudes, cherchent la proximité ou la distance, même si leur position est fixée dès le début, le processus de peinture n’est jamais planifié et laisse des traces visibles sur la surface rugueuse.
« Dans le calme, les objets du monde des consommateurs apparaissent comme des personnes sur une scène. La «pièce» qu’ils jouent demeure ambiguë et intrigante. La peinture elle-même, qui est sensible dans sa matérialité et dans les stimuli de surface, ainsi que l’emploi de sa propre perception sont d’une importance capitale pour moi. »
Les histoires inventées par Sabine Christmann sont variées, parfois intentionnelles ou coïncidentes en fonction de la personne qui contemple son œuvre. L’artiste revendique l’impossibilité d’une représentation objective en peinture, qui au contraire est porteuse de la subjectivité qui s’écoule involontairement pendant le processus de création.
Cette exposition a fait l’objet d’un article de Jean Paul Gavard Perret, critique littéraire et d’art contemporain dans Carnet d’art
- Née en 1970 sur l’île ensoleillée de Majorque, elle aime l’art et les mathématiques depuis l’enfance. Elle est diplômée de Central Saint Martins en 2005.
Exposition « Trangression » du 25 janvier au 24 février 2018
» Je suis profondément inspirée par notre société qui est souvent le thème de mes œuvres. Depuis 2009 je travaille sur un concept que j’appelle la « Liquid painting ». Elle est née de la nécessité d’exprimer les nouvelles caractéristiques de la société contemporaine. Elle est fortement influencée par le concept de Modernité Liquide de Zygmunt Bauman, qui décrit la métamorphose de la modernité, passant d’une phase solide à une phase liquide, caractérisée par une société qui a perdu ses repères solides et est en changement constant. Les individus, pour suivre, doivent devenir liquides. De même, mes Liquid Paintings ont perdu la partie qui pourrait leur donner toute la solidité, à savoir: leur support. Il n’y a donc plus de toile, bois, papier ou autre pour garder la peinture en forme. L’œuvre est libre de s’adapter à n’importe quelle forme sur laquelle elle repose ou elle peut être juste pendue seule. Dans le figuratif ou l’abstrait, elle devient sujet et matière. Je me sers de cela, pour mener une exploration picturale sur la physicalité de la peinture même et sa relation inhérente avec la lumière, créant, parfois de formes et volumes en la réintégrant au support grâce à des épingles, colles, etc., d’autres fois, cherchant des nouvelles relations entre peinture et support, ou encore, juste dévoilant sa condition de surface contenant du processus créatif du dessin initial à l’image finale. «
« Les faits divers » sont généralement appréhendés du côté du spectaculaire. Ils restent dans les mémoires en tant qu’événement marquant qui a fait la une. Relatés par les médias comme pour en faire une fiction attrayante, ils finissent dénués d’humanité. Avec la série « Faits divers », Rafiy nous propose de nous pencher sur la cause des faits divers et non leurs conséquences tragiques, qui est généralement le fait d’un peuple qui souffre. Rafiy est un intranquille qui capte les mouvements du monde et travaille autour de l’humain pris au piège de l’histoire, du quotidien, de l’existence. Il nous incite ainsi à un devoir de mémoire différent de celui proposé par les outils de communication médiatiques.
Shao Huo, la dernière série du peintre français Mickaël Doucet. Cette appellation mystérieuse trouve son origine dans la culture chinoise du XIXe siècle, désignant les figurines de papier qui symbolisaient la vie des défunts et qui étaient brûlées lors de leurs funérailles.
Au-delà des mots, le peintre dévoile un nouvel univers, tout aussi énigmatique que ce titre le présageait. Comme à son habitude, Mickaël Doucet offre à la vue des morceaux d’espaces, évoquant subtilement ici et là des questionnements inhérents à la condition humaine, mais la rupture avec sa série précédente des Villégiatures est bel et bien consommée.
Le peintre montre un aspect différent de ses villas, plus intime et plus profond, comme si l’observateur avait enfin pu pénétrer ces espaces lisses. On quitte les grandes surfaces carrelés et bétonnés des Villégiatures et leurs perspectives sans fins pour rejoindre des pièces plus familières, dans lesquels on retrouve le goût de l’artiste pour le mobilier design. Mickaël Doucet nous introduit presque secrètement dans des espaces réduits ; au détour d’une chambre à coucher, d’un bureau ou d’un boudoir.
Le contraste entre l’espace clos intérieur et l’immensité extérieure fait naître l’angoisse d’une menace imminente. On ne se focalise plus sur l’intérieur, on le confronte à l’extérieur, comme une nouvelle possibilité, une échappée… ou bien une brèche dans la forteresse humaine. Les baies vitrées ont toujours ce même rôle transitoire entre deux mondes, mais dont la fragilité annonce la prise de dessus imminente de l’un sur l’autre. Celles-ci laissent filtrer la lumière, élément plastique primordial pour la technique du peintre qui met en place des jeux de textures et de profondeurs. Les Shao Huo évoqués dans le titre de la série sont incarnés par la présence d’origamis qui se dissimulent dans une végétation luxuriante ou pour certains qui ont déjà pénétré le monde intérieur. Les courbes offertes par les éléments de végétation viennent perturber la linéarité des intérieurs. De la même manière, le silence et l’immobilité des intérieurs semblent contrebalancés par l’extérieur indompté et l’apparition des origamis. L’équilibre est bouleversé, les Shao Huo se sont introduits à l’intérieur par les issues laissées délibérément ouvertes par l’artiste.
Les Shao Huo peuvent être perçus comme des allégories de la violence et de la mort, données indissociables de l’humanité, et bien en accord avec leur fonction funéraire initiale. Ces créatures de papier paraissent être porteuses d’une nouvelle angoissante, celle d’une apocalypse à venir. Tels des émissaires du chaos, les origamis donnent toute leur puissance suggestive aux toiles et nourrissent le récit de l’artiste. Celui-ci complexifie sa grille de lecture et introduit des références à une mythologie universelle. Il refuse pourtant l’idée d’une opposition binaire entre vie et mort, laissant à l’observateur son droit à l’interprétation et au questionnement. Après tout, cela ne pourrait être qu’un mauvais rêve…
Shao Huo is the title of the latest series of works by the French painter Mickaël Doucet. Its mysterious name finds its origin in the Chinese culture of the XIXth century, for the paper figurines which symbolized the life of the dead and which were burned during their burial.
The painter reveals a new universe that is beyond words and as enigmatic as the title portends. As usual, Mickaël Doucet offers the spectator pieces of space, by subtly evoking here and there an inherent questioning of the human condition, but the break with his previous series of Villégiatures (Resorts) is indeed compete.
The painter shows a different aspect to that of his villas – one that is more intimate and deeper, as if the observer had finally been able to penetrate into these smooth spaces. We leave the large tiled and grey concrete floors of the last series and their perspectives without purposes to join more familiar rooms, in which we find the taste of the artist for designer furniture. Mickaël Doucet introduces us almost secretly into reduced spaces, through a bedroom, office or boudoir.
The contrast between the closed internal space and the outer immensity creates the anxiety of an imminent threat. We do not focus any more on the inside; we confront it with the outside, as a new possibility, a breakaway … or a breach in the human fortress.
Bay windows have always the same passing register between two worlds, but whose fragility announces the imminent influence of one on the other.
The windows let light filter through – an essential plastic element for the technique of the painter who establishes a play of textures and depths. The Shao Huo mentioned in the title of the series are embodied by the appearance of origamis which hide themselves in a luxuriant vegetation or, in some cases, have already penetrated into the inner world. Curves offered by the elements of vegetation disrupt the indoor linearity. In the same way, the silence and stillness of the interior seem offset by untamed outsides and the apparition of origamis. The balance is upset, The Shao Huo were inserted through entries deliberately left open by the artist.
The Shao Huo can be perceived as allegories of violence and death – inseparable ingredients of humanity, following their initial funeral function. These paper creatures seem to be the source of an alarming event, an imminent apocalypse. Like envoys of chaos, origamis give all their suggestive power to the paintings and nurture the statement of the artist. This one makes the interpretation more complex and introduces references to a universal mythology. He nevertheless refuses the idea of a binary opposition between life and death, leaving interpretation and questioning for the observer. After all, it could just be a bad dream…
Peintre français né en 1983, Jazzu est la signature d’un autodidacte dont la modestie fait frontière avec la timidité.
Jazzu peint comme il respire, par-delà les filiations, les courants et les codes. C’est donc probablement la vitalité et la sincérité de son geste, qui ont déjà mené galeristes et vendeurs à faire cohabiter ses toiles avec celle de Combas ou de Speedy Graphito.
Pas de posture dans sa peinture, pas de préméditation, Jazzu est un instinctif qui travaille le ressenti dans une alchimie de couleurs et de matière que lui dictent ses sujets. Porté par la nécessité de traduire ce qu’il perçoit de l’actualité culturelle et politique de notre époque, on pourrait dire de sa peinture qu’elle est brute au sens primitif de l’acte pourtant elle sait se faire sensuelle en texture, parfois même épidermique tant il y a d’humain dans le trait.
Les univers parallèles de Rayk Goetze
Avec « Barbaric Splendour » Rayk Goetze crée un univers étrange : les personnages se détachent sur des fonds abstraits prêts à les ensevelir. Il s’agit moins d’une matérialisation de l’être et d’une dématérialisation du monde que la mise en abîme du premier dans le second. La peinture trouve là une force métaphysique.
Issu de la Nouvelle Ecole de Leipzig il poursuit la recherche d’un nouveau langage pictural en s’inspirant des Maîtres de la Renaissance, du Maniérisme et du Baroque. Existe la quête de l’identité là où les êtres semblent saisis d’un arrêt sur image qui les fixe dans leurs mouvements. La solitude semble insécable de telles présences énigmatiques : impressionnisme, expressionnisme et abstraction se mêlent superbement dans un monde aussi ténébreux que luminescent.
L’œuvre est intelligente, impertinente voire fracassante et parfois drôle mais au second degré. Il ne s’agit plus de mettre sur la rétine du postiche ou du fantasme dans le mental. La surface n’est plus l’infirmière impeccable des identités. Elle se distend comme une peau usée là où l’imaginaire ne cesse de la tarauder. Tout se met à flotter, à fluctuer en diverses dérives qui ouvrent des seuils. L’image par ses effets de franges et de torsions les franchit.
Jean-Paul Gavard-Perret
Publication L’internaute, Jean-Paul Gavard-Perret, le 08/05/2017.
WALTER STÖHRER« LA FUREUR DU GESTE »
Né le 15 Janvier 1937 à Stuttgart et mort le 10 avril 2000 à Scholderup, Walter Stöhrer entreprend initialement une formation de graphiste publicitaire, de 1952 à 1954, avant de rejoindre l’Académie des Arts de Karlsruhe en 1955. Il y suit les cours de HAP Grieshaber et embrasse le mouvement de la Nouvelle Figuration, s’opposant alors à l’abstraction, mouvement dominant de l’époque. Influencé par le mouvement CoBrA, les « dessins psychanalytiques » de Pollock ou encore Dubuffet ou l’art brut, il développe dans sa peinture et sa gravure un geste rapide, furieux, entre composition et spontanéité.
Si ses toiles viennent immédiatement à l’esprit, ses créations plus graphiques, notamment ses gravures, ne doivent pas être omises. Son œuvre demeure résolument unique dans l’art du XXe siècle et a eu une grande influence sur la création artistique de l’époque.
En 1959, il s’installe définitivement à Berlin. De 1981 à 1982, il est convié par l’UdK, l’Université des Arts de Berlin pour enseigner en tant que professeur invité. En 1984, il devient membre de l’Académie des Arts de Berlin et en 1986 enseigne en tant que professeur agréé de l’Université des Beaux-Arts de Berlin.
Entre 1962 et 2000, il a gagné de nombreux prix en Allemagne, en France et en Italie. Ses œuvres sont exposées dans de nombreux Musées et Institutions aux U.S.A., en Allemagne et au Danemark. En 1999, la Fondation a été créée à son nom.
« Écriture et Poésie : le geste maîtrisé »
Dans la mouvance de la prestigieuse rétrospective consacrée à Cy Twombly au Centre Pompidou, la Galerie Charron a le privilège de présenter sept lithographies de l’artiste, tirées du portfolio « Six Latin Writers and Poets », réalisé en 1975 et publié en 1976. La galerie Charron propose avec cette exposition intitulée « Ecriture et poésie, le geste maîtrisé » un questionnement autour du signe, du trait et du mot, à travers les démarches de Cy Twombly, Walter Stöhrer et László Lakner, trois poètes de la peinture de la deuxième moitié du XXe siècle.
Avec ce portfolio, Cy Twombly rend hommage aux Anciens par le biais de références à la littérature antique. Témoignage de la passion de l’artiste pour les ressources mythologiques, il en dresse un savant mélange entre élaboration de l’écriture et inspiration du mythe, faisant émerger les six noms de ces poètes et écrivains latins. Tantôt limpide et assuré, tantôt d’un aspect plus tourmenté, avec des superpositions d’écritures, ce style n’est pas sans rappeler les travaux de László Lakner et Walter Stöhrer. L’œuvre de ces artistes constitue une réflexion constante sur la tension entre abstraction et figuration. Elle vient également imposer le geste en tant que nouvelle forme d’écriture, avec toujours, à l’origine, le lyrisme. Bien loin de son aspect informatif premier, le mot apparaît alors comme un espace de liberté plastique et se trouve au cœur de la composition spatiale de l’œuvre. Face à ces tableaux, le regardeur se trouve dans une condition où l’affect prime et peut laisser libre court à son imaginaire face au mot et ce qu’il évoque.
Walter Stöhrer, dont la technique évoque les premiers travaux de Cy Twombly, vient insuffler sa poésie au sein d’une peinture voluptueuse et mouvementée, où des figures incomplètes se mêlent à un alphabet pour former ses « Malerei und Grafik » (Peinture et Graphisme). Le « Schopenhauer » de László Lakner, pour qui la gestuelle de l’écriture est fondamentale – et souvent monumentale – se veut quant à lui esquisse de lettre, faite d’une graphie combinée à une composition spatiale toute particulière.
L’exposition « Écriture et Poésie : le geste maîtrisé » vient présenter la rencontre de cette nouvelle écriture avec le pictural : le graphème, à l’origine de la peinture, du dessin et de l’écriture, n’est rien d’autre qu’un signe. Les espaces complexes, savamment composés tout en laissant place à la spontanéité, associent linéarité brute, chiffres, et explosions de couleurs, révélant au fil des coulures toute l’expressivité de ces artistes révolutionnaires.
