Les oeuvres de notre artiste peintre allemand Andreas Lau font partie prenante de la prestigieuse exposition annuelle du Musée Würth !
Du 30 Septembre 2019 au 20 Septembre 2020, les peintures de Andreas Lau seront exposées auprès d’artistes de renommée mondiale tels que, entre autre : • Georg Baselitz • Joseph Beuys • Daniel Buren • Alexander Calder • Christo • Tony Cragg • Jörg Immendorff • Alex Katz • Anselm Kiefer • Per Kirkeby • Markus Lüpertz • David Lynch • Paul McCarthy • Jonathan Meese • Robert Motherwell • David Nash • Albert Oehlen • A. R. Penck • Arnulf Rainer • Neo Rauch • Robert Rauschenberg • Gerhard Richter • Julian Schnabel • Pierre Soulages • Frank Stella • Günther Uecker
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La série « canoé orange » de Mickaël Doucet est à la fois une référence à l’oeuvre de *Peter Doig, qui agit comme un repère visuel dans le monde de l’art et en même temps ce n’est pas tant un hommage qu’une sorte de gimmick qui pousse le regardeur dans son retranchement le plus rêveur. Finalement, nous avons tous un canoë orange quelque part qui nous attend …c’est l’idée de cette petite partie de nous-même réconfortante, un peu mélancolique, un peu poétique, un peu tendre… Une magie accentuée par les fenêtres, travaillées de manières plus légères tel Henri Matisse avec un rapport paysage et intérieur. Le tableau dans le tableau ou une vision fantasmée d’un paysage analeptique… Une histoire commence, se dessine ou se termine, « c’est toi qui décide » comme se plaît à dire l’artiste. Les peintures de Mickaël Doucet sont une expression artistique de la littérature si chère à l’artiste, qui selon lui est un témoignage permanent à l’art comme discipline qui élève l’humanité spirituellement.
» Keep on Running « . Jesper Blåder peint des atmosphères sombres et intrigantes, voire angoissantes, sur lesquelles semble peser une menace imminente. Il plonge le regardeur dans une ambiance mystérieuse avec des personnages que l’on retrouve de toiles en toiles, ou des paysages aux architectures tout aussi énigmatiques. Les spécificités techniques de la peinture de Blåder font la force de ses toiles. Ainsi, l’usage de la touche par aplats et le recourt aux tons acides donnent aux peintures toute leur puissance visuelle. L’univers imaginé par l’artiste évoque l’esthétique du Street art, et le monde du jeux vidéo. Des effets tels que la pixellisation, le flou ou la déformation des visages donnent l’impression de voir les toiles à travers un écran défectueux. L’artiste se livre ainsi à un véritable jeu avec l’image, la composition et l’espace. Récemment, la peinture de Jesper Blåder prend un nouveau tournant. Il se met à composer ses toiles de plusieurs panneaux juxtaposés, donnant à son travail un nouvel aspect sculptural. Cette forme des cadres, désormais irrégulière, intensifie la sensation de mystère puisque la scène paraît se poursuivre hors-champs, amenant l’observateur à se demander ce qui se cache au-delà du cadre.
» Palimpsestes « .Georges Noël a inventé un support personnel que l’on retrouvera tout au long de son oeuvre: un mélange de pigments purs, de sable et de colle qui produit une surface brute, granuleuse ou veloutée, selon la volonté de l’artiste. Cette matière se prête à son écriture sous toutes ses formes, qu’elle court en surface ou qu’elle y soit incise, ou bien qu’elle arrache ou triture les fonds. Son vocabulaire de signes, mystérieux et magiques, porte l’empreinte de sa fascination pour les cultures préhistoriques, archaïques et tribales. Dans ces “Palimpsestes,” terme cher à l’artiste, la matière et les signes sont, par leur superposition et leur effacement successifs, l’expression de couches de mémoire, d’émotions, et de sens.
(source : site officiel de l’artiste)
« Un allemand parisien »; Jan Voss c’est avant tout le voyage : de la Turquie à Paris, cet artiste allemand ne cesse de nous émerveiller. Son oeuvre est en mouvement perpétuel. Des lignes et des formes qui se juxtaposent, qui s’arrêtent. L’objectif est de rendre un tableau immobile en une activité déconcertante. En mélangeant collage et autres assemblages complexes, Jan Voss nous emmène dans ses humeurs et ses représentations diverses de la vie. L’influence de la Figuration Narrative est bien présente dans ses oeuvres. Celles ci nous racontent des histoires à travers des silhouettes d’animaux ou d’hommes et de femmes. Mais peu à peu, des signes noirs viennent saturés les lignes aquarellées. Jan Voss se découvre alors sous de nouveaux aspects et de nouveaux matériaux. Dans les années 1980, il commencera à sculpter. Décliner son langage lui permet une plus grande liberté d’expression. On pourrait évoquer des signes proches du graffiti. L’important pour lui est de faire sortir l’enfant à l’imagination débordante qui réside en nous. Nous ramener naïvement à voyager à travers les contes que nous dictent ses oeuvres.
» Lascaux » : Après le succès de l’exposition thématique Lascaux China 2018 à Wuhan et Hangzhou (Chine) au début de l’été 2018, la Galerie Charron a choisi de proposer en France la variation sur le même thème intitulé Lascaux Paris 2018. Elle présentera exclusivement une exposition d’huiles sur papiers sous forme de petits triptyques et de diptyques aux allures d’intérieurs de grottes contemporaines, comme l’a imaginé et conçu le peintre Mickaël Doucet…
Au moment où l’Humain a trouvé le moyen d’exprimer par le dessin ses sensations ou ses émotions, il a noirci les murs des cavernes et des grottes de son environnement … Nous connaissons tous les fabuleux témoignages de ces milliers d’années passées, empreintes des hommes préhistoriques laissées sur les murs des célèbres grottes de Lascaux, Altamira ou encore plus récemment la grotte de Chauvet en France. Cette envie impérieuse de communiquer, par des dessins sur des parois, restera peut-être à jamais baignée de mystère. La première apparition de l’Art se situe donc il y a entre 35 et 40.000 ans : l’Art pariétal. Il s’est développé depuis, à travers des dizaines de civilisations différentes : de l’empire Byzantin à l’Egypte ancienne, en passant par la Grèce antique et bien sûr la Chine. Autant de témoignages de la créativité humaine au fil des siècles, à travers des cultures et d’approches spirituelles différentes …Du charbon de fusains sur les murs ingrats des cavernes, aux hiéroglyphes tracés précisément sur les papyrus égyptiens, en passant par les célèbres encres de chine créées avec grâce sur le papier de riz, les moyens d’expressions sont devenus nombreux et complexes.
La série Lascaux Paris 2018 est un travail d’équilibre pictural ; elle s’articule autour du thème des vestiges picturaux des grottes préhistoriques, par la représentation au fusain et à la craie noire sur des murs blancs d’habitations très contemporaines de dessins d’animaux ; le peintre a voulu une version très graphique de ces animaux représentés qui rappellent bien évidemment les dessins des cavernes mais avec une touche plus asiatique.
Cette série Lascaux est d’ailleurs dans la continuité de la série précédente nommée Shao Huo où ces êtres de papier, tels des totems ou des sculptures étranges et cathartiques venaient hanter les feuillages extérieurs aux habitations rassurantes. On retrouve dans la nouvelle série les vestiges des plantes de la série précédentes, cette fois mis en scène avec grâce et une certaine idée de la beauté, de l’agencement, de l’harmonie avec les meubles chers à Mickaël Doucet, les tapis chamarrés aux motifs divers ou les chaises que l’on retrouve maintenant dans ses œuvres comme une réelle signature. Le tout est composé de manière à laisser circuler la vie dans l’œuvre, comme un souffle de l’esprit venant habiter le papier sur lequel la peinture vient marquer son empreinte.
Exposition » Héroïne « . L’art de Rayk Goetze fusionne différentes techniques de peinture et se place entre la figuration et l’abstraction. On peut le comparer à des collages dynamiques pleins de vitalité. L’artiste fait référence à la peinture de la Renaissance dans ses œuvres composites qui portent un regard ironique sur le monde contemporain.
Les peintures figuratives de Rayk Goetze sont une succession de fenêtres ouvertes avec leur propre intensité nous invitant à une quête picturale. Il crée des connotations actualisées dans un cadre historique, sans pour autant nier ses vieilles tendances magistrales, mais en leur permettant d’interagir dans une compréhension progressive de celle-ci. Ceci est peut-être comparable à un palimpseste, dont le processus de réécriture rend une nouvelle création possible. De cette façon, Goetze tend à transformer sa technique de peinture de motif dans un discours dialectique, en utilisant une conception de surface différenciée.
Julia Weber M.A.
RDV en galerie pour la Nocturne du 14.06 en collaboration avec les Jeudi Arty pour découvrir les oeuvres aériennes de notre sculpteur fétiche et poétique Alexandre Bour.
Les sculptures d’Alexandre Bour sont composées de matériaux bruts et d’installations de lumières jouant sur les ombres portées. Comme transparentes et néanmoins habitées, ses œuvres flottent en apesanteur. En suspendant ces silhouettes de fils métalliques, l’artiste créé un monde de douceur et de légèreté. La prouesse de sa technique est mise en valeur grâce au jeu de clair-obscur qui dévoile la délicatesse de chaque pièce, tout en révolutionnant la conception que l’on se fait des œuvres d’art. Il compose avec des éléments insaisissables tel que l’ombre et la lumière.
Alexandre Bour livre avec douceur l’assujettissement du fil de fer. Dompté par la légèreté d’un doigté artisanal le fil se cambre, danse et se courbe sous les mains de son créateur. L’objet final après cette lutte de matière prend la forme d’installations aériennes de personnages suspendus, composés de métal, d’ombre et de lumière qui transcendent la perception du spectateur dans l’espace. Ce sculpteur français met en scène une habile chorégraphie mêlant à la fois le devenir du fil de fer qui s’entrelace et également la gestuelle du curieux amené à valser autour de l’objet pour le découvrir sous toutes ses facettes. Ainsi lorsque le spectateur contemple ces personnages virevoltant dans l’espace aérien, son regard est également transcendé par cette présence parallèle de l’ombre qui se reflète sur le mur, créant une perception subjective de plusieurs réalités en interaction. Cette « ombre-reflet » est également appelée « skia » dans la Grèce antique. Le dédoublement de la ligne induit par l’ombre portée donne une lecture dynamique en deux points de vue différents sur un même objet. La sculpture devient un véritable dessin dans l’espace, elle est alors pensée en termes de structure. La production de ces croquis en volume est le résultat d’un travail complexe de projection, passant par l’influence réciproque de la technique et du dessin. Cette pratique artistique cache un travail minutieux et délicat.
Cette ré-introduction de l’ombre comme constituant à part entière de l’objet d’art renvoie au mythe précurseur de l’histoire de la représentation figurée. On raconte, quelques siècles avant J.C., l’histoire d’une jeune fille du village de Dibutade qui, pour ne pas oublier le visage de son amant partant à l’étranger, « entoura d’une ligne l’ombre de son visage, projetée sur le mur par la lumière d’une lanterne ». De fait Alexandre Bour avec romantisme et virtuosité capture les mouvements du corps pour donner vie à des histoires et à des personnages qui semblent sortis tout droit d’un rêve. L’artiste représente avec réalisme des visages, des corps mais aussi la faune et la flore. L’harmonie des lignes met en lumière une justesse d’expression. Ses personnages ont un caractère anecdotique, mis en scène tels des micro-récits. L’artiste propose ainsi une invitation au voyage à celui qui pose son regard sur ces œuvres.
Lors de son exposition intitulée « Rings of Fire » l’artiste Stani se réinvente en utilisant un support inhabituel : des peaux de batterie. Ces plateaux circulaires en matière synthétiques sont initialement utilisés pour des instruments de musique. Ces nouvelles œuvres font écho en particulier à la culture électronique berlinoise, car l’artiste est un grand passionné de musique.
Stani est un artiste qui a su développer une approche esthétique qui lui est propre. Malgré un univers très personnel, il puise ses références chez des grands maîtres comme Basquiat. L’emploi de couleurs vives et contrastées associées à une ligne graphique et dynamique apportent de la profondeur à ses toiles. La combinaison de l’acrylique et du pastel crée une pigmentation riche et généreuse mettant en lumière les personnages de ses œuvres.
A mi-chemin entre l’art brut et l’art urbain, Stani donne du rythme à ses peintures en y ajoutant des mots à la craie, semblables à des griffonnages juvéniles créant ainsi un langage universel imprégné de la rue. Cet artiste entretient une fascination pour les lettres, les mots. Ces écritures ne sont pas dénuées de sens, elles sont chargées de significations cachées. Nous pouvons citer en exemple le mot « wild » qui est présent à plusieurs reprises dans ses peintures ou encore le mot « emotion » utilisé à fin satirique dans sa peinture « King robot ».
D’un geste instinctif et énergique il dépeint son quotidien, conférant à ses toiles un caractère autobiographique. C’est dans la rue, au gré de ses rencontres, de ses voyages et de son ressenti que Stani alimente son art et trouve une abondance de supports. Ses œuvres font donc écho à son passé. Il improvise à partir de sujets récurrents comme par exemple son chien Doggy ou bien son inspiration féminine et muse Tina.
Il choisit de développer une écriture libre, primitive et anarchique pour évoquer la culture populaire, l’art urbain et l’énergie de la rue. Les formes géométriques créent un univers robotique. Le primitivisme pictural dialogue avec un univers post-moderne.
Ses œuvres sont non seulement esthétiques mais thématiques. Il aborde des faits sociétaux avec un ton léger afin de faire passer et exprimer des messages libertaires. L’artiste utilise son art comme médium de communication pour exprimer sa philosophie de vie et ses rébellions contre la société moderne. En effet, nous pouvons penser à la phrase « life is a fake » tirée du tableau « Music Paradise ».
Pour la série « Rings of Fire », l’artiste se renouvelle en peignant sur un support atypique, celui de plateaux circulaires en peaux synthétiques qui sont initialement utilisés pour des instruments musicaux comme la batterie. Ces nouvelles œuvres font écho en particulier à la culture électronique berlinoise.
