Eselchen – Les Ânes
« « Les Ânes sont pour moi une nécessité. Mes sculptures semi-figuratives sont un moyen de leur rendre hommage et de leur rendre le statut qu’ils méritent. Ils viennent en contrepoint avec mon travail abstrait des Tensions Primaires, (Ge)Dichte ( Poésie et densité en allemand ) en pierre, et de mes Julesstein en bronze. Je montre idéalement les pierres et les Ânes ensemble, car les ânes en sont leurs protecteurs, la vigie vis-à-vis du public prêt à toucher. Les Ânes sont les défenseurs et restent attentifs à cette abstraction qui est nouvelle et encore peu connue. Ils apportent un équilibre, quelque chose à quoi on peut se repérer, à cette présence légère, discrète mais sûre. » Jules Andrieu
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Heliotrope : « Nul n’entre ici s’il n’est géomètre » aurait gravé Platon au fronton de son Académie athénienne pour instaurer le primat de l’abstraction idéale (géométrique) sur la pensée vulgaire, chaotique, mortelle. Or, en regardant à travers les vastes baies vitrées peintes par Mickaël Doucet, on ne voit plus forcément le monde de la même manière.
Les intérieurs peints par Mickaël Doucet sont, par une étrange mise en abîme, eux-mêmes des sortes de « lieux d’art et de contemplation » … C’est une peinture complète parce qu’en plus d’être métaphysique, elle est aussi fondamentalement décorative.
Les vanités de Mickaël Doucet, d’inspiration orientales, cherchent à se fondre non pas dans la transcendance divine (« vanitas vanitatum omnia vanitas » disait l’Ecclésiaste), mais dans l’immanence, autrement dit, dans le paysage. Parce que l’architecture picturale de Mickaël Doucet est aussi, surtout peut-être, une peinture très paysagère.
Les humains ne sont pas absents des peintures de Mickaël Doucet, loin s’en faut. Ce qu’il faut comprendre, c’est qu’un paysage est un objet artistique extrêmement complexe et subjectif. Les villégiatures de Mickaël Doucet, paisibles et ouvertes, nous rappellent que le paysage n’est pas un décor.
Devant les tableaux de Mickaël Doucet, le spectateur ne regarde pas un panorama à travers de grandes baies vitrées ; tel un shao huo, il est désintégré. Sublimé. Son effluve hante librement les lieux et contemple une dernière fois le monde des hommes avant de se fondre, en paix, dans le paysage… «
Vincent Choffrut
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Hommage à Pina Bausch
Tout dans la pratique de Corinne Malfreyt est une histoire d’énergie et de symbiose. Sa peinture à l’huile compose et marie les éléments dans un mouvement toujours circulaire de la matière, symbole pour l’artiste du temps et du cycle de la vie.
La série de tableaux « Le Sacre après Pina », hommage à la danse et à la célèbre chorégraphe allemande Pina Bausch, évoque à travers le mouvement des corps l’éternel retour des choses, de la disparition à la renaissance, de l’aboutissement au recommencement.
Forte de ce panel de sensations, l’artiste s’exerce ensuite sur la toile à retranscrire ces arrêts dans le temps en créant des effets de matière – coulures ou épaisseurs de peinture sur le fond, ajouts de grain de sable, traits de crayons marqués – qui viennent tout en finesse suggérer des silhouettes aux dominantes gris-bleu à l’image du renouveau du ciel de printemps.
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L’enfance revisitée
« La peinture de Céline Achour se prête à toutes les imaginations et invite à un voyage au pays du rêve. (…) Elle parvient à dépasser le traditionnel cloisonnement des genres et nous transmet un message d’ordre spirituel : solitude d’un être absorbé par son activité, le rendu pictural étant l’expression de sa quête ou de son silence intérieur. Les visages ne sont pas lisses, ils marquent aussi les doutes, les incertitudes les angoisses, ils sont l’expression de toute la gamme de la psyché humaine. (…) Les effets de lumière et les rehauts de couleurs ponctuent ces tonalités, comme si elles étaient nimbées d’une étrange aura. Si l’on se contente d’un simple regard distrait, on n’y décèlera pas toute la quintessence, la toile pourrait paraitre lisse, voire distanciée ou hiératique ; il n’en est rien, ces visages ont une âme, une vie quasi charnelle, une grande densité psychologique. »
– Alain Bensoussan, janvier 2016
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En parallèle du Centre Pompidou, voici quelques oeuvres du couple mythique Christo et Jeanne-Claude sous un nouveau format vidéo magazine.
Nouvelles technologies obligent, il semble que d’après des études comportementales, les individus ne prennent plus le temps de lire mais préfèrent plutôt regarder des vidéos ou bien écouter des Podcasts, ce qui m’amène à vous faire découvrir aujourd’hui ma nouvelle formule de newsletter mensuelle remixée au goût du jour.
Nous voici déjà en mars et en raison du Coronavirus, plusieurs évènement sportifs, culturels et festifs ont été reportés ou annulés. Comme vous pouvez le constater, de mon côté, j’ai décidé malgré tout de garder ma positive attitude et de vous parler d’un beau projet qui va se réaliser enfin ! Après une soixantaine d’années d’attente, Christo revient à Paris pour enfin donner vie à son rêve et celui de sa partenaire Jeanne-Claude : recouvrir d’une toile géante l’un de nos monuments emblématiques : l’Arc de Triomphe. Alors save the date comme on dit car cela se passera cet automne du 19 septembre au 4 octobre et ne sera visible qu’une petite quinzaine de jours.
Vous faisiez d’ailleurs peut-être partie des 3 millions de personnes qui se sont déplacées du monde entier à Paris en septembre 1985 pour admirer le Pont-Neuf, plus vieux pont de la Capitale parisienne empaqueté par Christo et Jeanne Claude dans un polyester jaune-ocre éblouissant. Cette installation avait nécessité alors 40 000 mètres carrés de toile et 12 tonnes de câbles d’acier. Cette fois ci, l’œuvre éphémère de l’Arc de Triomphe empaqueté nécessitera 25 000 mètres carrés de toile mais beaucoup plus lourde, recyclable en polypropylène de couleur argent bleuté et 7 000 mètres de corde rouge et aussi l’assistance d’une quarantaine d’alpinistes, et oui pour empaqueter le tout !
Pour fêter cet évènement majeur, une rétrospective sur le couple légendaire d’artistes contemporains Christo et Jeanne Claude débutera le 18 mars prochain au Centre Pompidou et retracera leur période parisienne artistique avec l’histoire du projet du « Pont-Neuf empaqueté » bien-sûr.
Je vous laisse maintenant découvrir les travaux de Christo que nous avons à la Galerie Charron. Tous sont signés par l’artiste et encadrés. Ils se rapportent aux Projets du « Pont-Neuf empaqueté », au « Reichstag empaqueté » ainsi qu’à la série Store Front, travaux emblématiques de Christo et certains originaux se trouvent dans la collection du musée de Berlin ou de la Collection du Musée Würth.
N’hésitez pas à revenir vers moi pour plus de détails soit par mail, soit par téléphone et à vous inscrire sur le site web de la galerie charron pour recevoir la prochaine newsletter.
J’espère que ce nouveau format newsletter vous a plu et vous dis à bientôt !
NB: Cet article a été publié le 5 mars 2020 avant la disparition de Christo le 31 mai 2020 à New York.
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Les oeuvres de notre artiste peintre allemand Andreas Lau font partie prenante de la prestigieuse exposition annuelle du Musée Würth !
Du 30 Septembre 2019 au 20 Septembre 2020, les peintures de Andreas Lau seront exposées auprès d’artistes de renommée mondiale tels que, entre autre : • Georg Baselitz • Joseph Beuys • Daniel Buren • Alexander Calder • Christo • Tony Cragg • Jörg Immendorff • Alex Katz • Anselm Kiefer • Per Kirkeby • Markus Lüpertz • David Lynch • Paul McCarthy • Jonathan Meese • Robert Motherwell • David Nash • Albert Oehlen • A. R. Penck • Arnulf Rainer • Neo Rauch • Robert Rauschenberg • Gerhard Richter • Julian Schnabel • Pierre Soulages • Frank Stella • Günther Uecker
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La série « canoé orange » de Mickaël Doucet est à la fois une référence à l’oeuvre de *Peter Doig, qui agit comme un repère visuel dans le monde de l’art et en même temps ce n’est pas tant un hommage qu’une sorte de gimmick qui pousse le regardeur dans son retranchement le plus rêveur. Finalement, nous avons tous un canoë orange quelque part qui nous attend …c’est l’idée de cette petite partie de nous-même réconfortante, un peu mélancolique, un peu poétique, un peu tendre… Une magie accentuée par les fenêtres, travaillées de manières plus légères tel Henri Matisse avec un rapport paysage et intérieur. Le tableau dans le tableau ou une vision fantasmée d’un paysage analeptique… Une histoire commence, se dessine ou se termine, « c’est toi qui décide » comme se plaît à dire l’artiste. Les peintures de Mickaël Doucet sont une expression artistique de la littérature si chère à l’artiste, qui selon lui est un témoignage permanent à l’art comme discipline qui élève l’humanité spirituellement.
» Keep on Running « . Jesper Blåder peint des atmosphères sombres et intrigantes, voire angoissantes, sur lesquelles semble peser une menace imminente. Il plonge le regardeur dans une ambiance mystérieuse avec des personnages que l’on retrouve de toiles en toiles, ou des paysages aux architectures tout aussi énigmatiques. Les spécificités techniques de la peinture de Blåder font la force de ses toiles. Ainsi, l’usage de la touche par aplats et le recourt aux tons acides donnent aux peintures toute leur puissance visuelle. L’univers imaginé par l’artiste évoque l’esthétique du Street art, et le monde du jeux vidéo. Des effets tels que la pixellisation, le flou ou la déformation des visages donnent l’impression de voir les toiles à travers un écran défectueux. L’artiste se livre ainsi à un véritable jeu avec l’image, la composition et l’espace. Récemment, la peinture de Jesper Blåder prend un nouveau tournant. Il se met à composer ses toiles de plusieurs panneaux juxtaposés, donnant à son travail un nouvel aspect sculptural. Cette forme des cadres, désormais irrégulière, intensifie la sensation de mystère puisque la scène paraît se poursuivre hors-champs, amenant l’observateur à se demander ce qui se cache au-delà du cadre.
» Palimpsestes « .Georges Noël a inventé un support personnel que l’on retrouvera tout au long de son oeuvre: un mélange de pigments purs, de sable et de colle qui produit une surface brute, granuleuse ou veloutée, selon la volonté de l’artiste. Cette matière se prête à son écriture sous toutes ses formes, qu’elle court en surface ou qu’elle y soit incise, ou bien qu’elle arrache ou triture les fonds. Son vocabulaire de signes, mystérieux et magiques, porte l’empreinte de sa fascination pour les cultures préhistoriques, archaïques et tribales. Dans ces “Palimpsestes,” terme cher à l’artiste, la matière et les signes sont, par leur superposition et leur effacement successifs, l’expression de couches de mémoire, d’émotions, et de sens.
(source : site officiel de l’artiste)
« Un allemand parisien »; Jan Voss c’est avant tout le voyage : de la Turquie à Paris, cet artiste allemand ne cesse de nous émerveiller. Son oeuvre est en mouvement perpétuel. Des lignes et des formes qui se juxtaposent, qui s’arrêtent. L’objectif est de rendre un tableau immobile en une activité déconcertante. En mélangeant collage et autres assemblages complexes, Jan Voss nous emmène dans ses humeurs et ses représentations diverses de la vie. L’influence de la Figuration Narrative est bien présente dans ses oeuvres. Celles ci nous racontent des histoires à travers des silhouettes d’animaux ou d’hommes et de femmes. Mais peu à peu, des signes noirs viennent saturés les lignes aquarellées. Jan Voss se découvre alors sous de nouveaux aspects et de nouveaux matériaux. Dans les années 1980, il commencera à sculpter. Décliner son langage lui permet une plus grande liberté d’expression. On pourrait évoquer des signes proches du graffiti. L’important pour lui est de faire sortir l’enfant à l’imagination débordante qui réside en nous. Nous ramener naïvement à voyager à travers les contes que nous dictent ses oeuvres.
