Né en 1936 à Budapest en Hongrie, László Lakner a su se faire une place au sein du monde de l’art contemporain. Après avoir fréquenté l’école des Beaux Arts de Budapest, il obtient une bourse du Musée Folkwang pour étudier en Allemagne. En plus de nombreuses expositions d’art, on peut noter sa présence trois fois à la Biennale de Venise et une fois à la Documenta à Kassel. En 1998, le gouvernement hongrois lui remet le Prix Kossuth, ultime récompense du pays, et depuis 2000, son autoportrait figure dans la prestigieuse collection de la galerie des Offices.
Le travail de László Lakner s’est déplacé avec une grande flexibilité et facilité parmi de nombreuses formes artistiques, telles que les représentations réalistes et sans objet dans la peinture, la photographie, le travail textuel, le film, les objets et les sculptures. La majeure partie de son travail étant alimentée par sa façon de penser conceptuelle et indépendante de la forme d’art et des médias utilisés.
Dans son art, László Lakner utilise l’écriture et la peinture, il interprète et retranscrit le geste de l’écrivain dans sa peinture, puisant son inspiration dans les documents historiques écrits, comme les lettres, les testaments ou les télégrammes. Il intègre les références culturelles et historiques de l’art de son choix comme ready-made dans son art. Dans les années 1970, on peut noter une étroite collaboration avec Marcel Duchamp.
Les oeuvres présentées à la Galerie Charron sont des enveloppes timbrées envoyées à son adresse personnelle, sur lesquelles sont collées des lettres découpées dans la presse et recouvertes de couleur rose, beige, vert et bleu. L’art et l’oeuvre extraordinairement diversifiés de László Lakner, remplis de références complexes, peuvent être décrits comme une série de métamorphoses, ou une conjonction d’approches et de styles artistiques. Ses oeuvres, à vrai dire, ne peuvent se comprendre que dans le contexte de son oeuvre dans son ensemble.
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Jazzu est un artiste français né en 1983. Ancien éducateur spécialisé, la peinture vient à lui comme un exutoire, un moyen d’exprimer ce qu’il ressent au quotidien, car ce sont ses émotions qu’il peint. Cela va de sa réaction à l’actualité, en passant par la musique qu’il écoute dans son atelier, où de sa vie de famille avec ses deux enfants, tout vient pour lui à l’instinct.
Il s’identifie beaucoup au mouvement Cobra, un mouvement artistique créé en réaction à la querelle entre l’abstraction et la figuration. Il en résulte un parfait mélange entre Dubuffet, Keith Haring et Basquiat. Cette peinture libre, brute, spontanée, en plus d’être l’héritière des peintures rupestres des premiers hommes, peut également être vue comme un hommage au style de l’art urbain, celui du graff, des tags, du street-art, des cris insoumis et révolutionnaires, des actions insubordonnées. Jazzu s’empare de la toile comme un graffeur de son mur. Il marque son territoire, il immortalise son idéologie et ses prises de position. Il rend visible son ressenti face au monde de manière anarchique, onirique mais aussi poétique.
Sur ses oeuvres, on y voit des visages, des corps de femmes et d’hommes, des animaux, des symboles, des mots, des lettres, des chiffres. Il conçoit ses toiles comme des miroirs. Quand le spectateur est devant un tableau, il doit être percuté par son reflet, cela doit provoquer un dialogue et une émotion. Les écritures calligraphiées, les variations des tracés, les marques de main, les gribouillis, l’utilisation d’une palette de couleurs diversifiées et les symboles réunis par l’artiste convoquent la sensibilité d’une mémoire collective. L’esthétique des toiles se caractérise par une volonté de « all-over », le sujet de la peinture semble s’extraire des carcans du tableau, continuer au-delà des limites du châssis dans le hors-champs. Cette technique dynamise et rend vivante les productions de l’artiste dont la cadence semble rythmée par les aléas, les imprévus et les débordements de nos quotidiens.
Les oeuvres de Jazzu sont nombreuses, puissantes et toutes différentes. Si vous souhaitez acquérir une de ses oeuvres, la galerie Charron vous offre en plus son catalogue, afin que vous puissiez découvrir l’étendu de son talent.
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Golnaz Afraz née à Téhéran en 1981, est issue d’une famille d’ingénieurs Iraniens. Déjà toute petite, elle avait une véritable âme d’artiste. Partout où elle allait, elle emportait son carnet de dessins et elle dessinait tout, partout, tout le temps. Malgré un début universitaire dans les mathématiques, au début des années 2000, elle choisit définitivement le domaine de la peinture, et intègre la faculté d’Azad à Téhéran où elle obtient une licence en peinture. Puis, elle poursuit son parcours à Téhéran par un master en arts plastiques à l ‘université de Tarbiat Modarres obtenu en 2007. Golnaz est membre de l’Association des peintres iraniens de Téhéran.
En 2011, elle déménage en France, s’inscrit à l’Université de Strasbourg et sort diplômée d’un deuxième master en arts plastiques. Depuis, elle a participé à plusieurs expositions personnelles et collectives en Europe, au Royaume-Unis en 2020 et en Asie.
Son Œuvre est teintée de référence à la miniature iranienne, elle les utilise dans ses toiles en reprenant les variations de plan, mais aussi l’utilisation de couleurs vives et de contrastes. Au cours de son parcours universitaire, elle rencontre l’artiste américain R.B Kitaj, elle sera admirative de sa manière de raconter une multitude d’histoires dans une seule peinture ou un seul dessin. Et c’est ce qu’elle va reprendre dans ses toiles. Ses œuvres sont des superpositions d’images et d’histoires, où les personnages interagissent entre eux. Elle créée ses scènes sur papier et sur toile et les assemble telle une cinéaste.
Dans son travail artistique, elle veut amener le spectateur à réfléchir sur le véritable sens de la vie, sur les relations interpersonnelles, la nature et l’environnement. Plus la peinture est de grand format, plus elle offre la liberté de voir plus clair mais aussi plus large, et donc de s’exprimer plus largement. Elle peut peindre plusieurs plans, les mélanger, les mixer afin de raconter une multitude d’histoires et laisser transparaître un foisonnement de scènes de vie.
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Frederic Duquet est un artiste français né en 1965. C’est son oncle, artiste, qui va lui transmettre ce goût pour l’art. Ses études de design à l’école des Mines ne le détournent pas de son amour pour la peinture qui devient son exutoire, il continue sa pratique discrètement en parallèle de sa voie professionnelle dans l’industrie. En découvrant l’artiste et ses oeuvres , les mots d’Oscar Wilde tombent sous le sens pour la galerie Charron :
« L’art est toujours plus abstrait que nous ne l’imaginons. La forme et la couleur nous parlent de forme et de couleur, voilà tout. Il me semble souvent que l’oeuvre cache l’artiste bien plus qu’elle ne le révèle. » Oscar Wilde
Son inspiration, il la puise dans sa vie passée entre Cologne, Bâle et Bruxelles et dans ses visites fréquentes dans les galeries et les musées d’art moderne et contemporain. Ses oeuvres peuvent être rapprochées du travail de Rothko, de De Kooning ou encore de Rauschenberg. Entre coloriste et expressionniste abstrait, Duquet nous propose une superposition de formes, de couleurs, son travail est dénué de toutes formes de représentation figurative, ce qui laisse libre cours à notre propre imagination pour lire et pour interpréter ses oeuvres. Un assemblage de carrés et de rectangles qui s’empilent tel un jeu de construction pour enfants, pourvu d’une grande stabilité.
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Née en 1983 à Thessaloniki en Grèce, Cornelia Komili vit et travaille aujourd’hui en France. Après un master en muséologie obtenu à Lyon en 2009, elle commence sa carrière d’artiste peintre. Depuis, elle expose son travail en galeries et elle participe à plusieurs événements d’art contemporain comme la foire de ST’ART à Strasbourg ou encore Art Up! à Lille. Elle puise son inspiration dans le travail de De Chirico ou encore Jean-Marc Bustamante. Komili nous propose des paysages urbains empreints de réalisme, qui nous emmène à la frontière entre le cliché volé et la peinture. Elle n’invente aucun lieu, elle s’invite dans les rues, les allées mais aussi au coeur des chantiers ou des carrières abandonnées pour travailler telle une documentariste, au relevé de l’architecture. Cela donne naissance à des paysages dépourvus de figure humaine mais puissants en lumière et en couleur qui ne sont ni des natures mortes, ni des still alive, mais quelque chose de bien plus moribond.
« Loin d’être le paysage aliénant que la plupart des gens croient, le paysage technologique offre les possibilités de paix, une sorte d’union avec le tout. » J. G. Ballard
Immeuble à Villeurbanne, est une huile sur toile de 130 x 162 cm. Peinte en 2021, c’est l’une de ses dernières réalisations. Elle nous présente la façade d’un immeuble déserté le temps de quelques minutes par ses habitants, laissant leurs traces, encore chaudes. Un jeu de couleur, d’ombre et de lumière se déroule sur la façade d’un immeuble ayant un air de cité radieuse du Corbusier. Que ce soit Immeuble à Villeurbanne, Lieu 3, Chantier 2 ou Lotissement 2, avec sa peinture, Komili, nous offre de véritables fenêtres sur le monde extérieur. Des espaces d’évasion qui nous laissent plonger dans une contemplation profonde. Des peintures rassurantes, avec des couleurs vives, qui nous laissent rêver du monde extérieur, qui devient alors sous son pinceau, bien mystérieux.
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Pour sa 6ème participation à la foire allemande d’art moderne et contemporain « Art karlsruhe » qui reçoit chaque année plus de 50.000 visiteurs, la Galerie Charron parisienne et de culture franco-allemande avait décidé pour 2021, malgré les incertitudes liées à la pandémie, d’agrandir son volume d’expositions à 175m2 avec un plateau de 100m2 dédié à deux sculpteurs et un stand de 75m2 consacré à ses peintres et photographes contemporains avec un dénominateur commun : le thème complexe de l’identité. Et pour mettre en lumière le savoir-faire français, une place de choix à l’entrée de la foire avait été attribuée à une sculpture de 3m20 de haut intitulée « Colonne Henry’s », prouesse technique réalisée par Bruno Bossut en hommage au célèbre funambule français Henry’s (1931-2013).
L’identité, processus dynamique, qui se forge dès l’enfance et consiste à la fois en l’identité que l’individu se crée et en l’identité que les autres lui attribuent. Une exposition proposée au spectateur dans un aller-retour de correspondances et de différences, abordée dans un champs de recherches d’art plastique, produite et interprétée par la trajectoire personnelle de chaque artiste de la galerie Charron : « Miroir, oh miroir… » de Bruno Bossut, sculptures résolument déformées pour briser le miroir des apparences et jouer de son identité. Les installations filiformes d’Alexandre Bour aux jeux d’ombre et de lumière en terme d’impact de notre identité visuelle. Les objets qui nous entourent dessinés dans les tableaux de Mickael Doucet, reflets de nos attirances, de notre milieu, de notre culture. L’espécisme avec les « Eselchen » de Jules Andrieu qui confrontent l’identité humaine et le statut animal. Les photographies de Manfred Hamm ou les « Allégories » d’Irène Lussou, personnages historiques à taille humaine édifiés en guise de mémoire communautaire. La confusion des sens dans les toiles d’ Andréas Lau ou la transmission des valeurs familiales dépeintes par Beatriz Guzman Catena. L’expression de soi, de couches de mémoires par l’écriture et la poésie, un questionnement autour de signes mystérieux, de traits et de mots à travers les démarches de Cy Twombly, de Làszlò Lakner, Jan Voss, Max Neumann et de Georges Noël. Une quête d’identité en tant que valeurs conscientes ou non qui permettent de se construire, se-déconstruire ou se différencier des autres.
Pour des raisons de Covid, la foire art karlsruhe n’aura pas lieu en présentiel mais online du 20 au 23 mai 2021.
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Chers fidèles de la Galerie Charron,
Pâques 🐥 est la fête de toutes les tentations ! Ce n’est pas le moment de se priver ! Que pourrais-je vous souhaiter de mieux qu’un beau soleil printanier, de la détente et un festin gourmand entourés de vos proches ? Un beau programme que je vais tenter de mettre en oeuvre également. « En parlant d’oeuvre »,😉je vous présente les peintures de Céline Achour, qui a reçu 8 prix en peinture et 3 prix en illustration.
Joyeuses Pâques et de belles pensées à partager !
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Cher(e)s fidèles de la Galerie,
Comme vous le savez, mon mari et moi-même nous faisons une joie de participer tous les ans à la foire allemande « Art Karlsruhe ». Cette foire qui reçoit depuis sa création en 2004, plus de 50.000 visiteurs par an et qui accueille des institutions allemandes de renom, est devenue au fil des ans, elle-même une véritable institution dans le paysage artistique allemand. Initialement prévue comme chaque année en février, elle a été reportée en mai due à la pandémie puis, nous venons de l’apprendre, un peu sans surprise, qu’elle a finalement été annulée pour cette année 2021.
Pour notre 6ème participation à « Art karlsruhe 2021 » nous avions prévu d’agrandir notre volume d’expositions à 175m2 avec un plateau de 100m2 dédié à deux sculpteurs et un stand de 75m2 consacré à nos peintres et photographes contemporains.
Et pour mettre en lumière le savoir-faire français, une place de choix à l’entrée de la foire avait été attribuée à une sculpture de 3m20 de haut intitulée « Colonne Henry’s », prouesse technique réalisée par notre sculpteur Bruno Bossut en hommage au célèbre funambule français Henry’s (1931-2013).
Nos artistes et nous-mêmes sommes bien évidemment déçus de ne pouvoir montrer leurs créations que nous sommes fiers d’exposer et de défendre chaque année.
Cependant, ni Art Karlsuhe, ni les galeries participantes n’en restent là et en attendant, nous travaillons tous en étroite collaboration, afin de vous proposer en mai 2021 une version digitale qui ne remplacera jamais le contact physique mais qui aura le mérite de nous permettre à tous de rester en lien étroit, en attendant la prochaine tenue physique de la foire Art Karlsruhe en février 2022.
Je vous présenterai donc au fur et à mesure les oeuvres de nos artistes peintres, sculpteurs et photographes plébiscités par le Jury de Art Karlsruhe et vous informerai de l’évolution de ce projet digital.
Vous remerciant de votre confiance,
Bien à vous,
C.Charron
La galerie Charron s’efforce toujours de mettre ses artistes au plus près de ses collectionneurs et c’est la raison pour laquelle je vous propose de découvrir mes interviews d’artistes sous forme de vidéos. Une façon de mieux appréhender, de mieux comprendre l’essence même de leurs démarches artistiques, leurs vécus, leurs messages véhiculés au travers de leurs oeuvres et peut-être aussi une « façon à moi » de vous expliquer les raisons qui font que je défends avec conviction ces artistes que j’ai sélectionnés pour faire partie intégrante de ma galerie.
Cette semaine, je vous propose de découvrir l’interview de Beatriz Guzman Catena, une artiste peintre d’origine argentine dont le travail pictural est marqué par les espaces et lieux de son enfance, la notion de mémoire articulée autour de l’apparition, l’imbrication, l’effacement, et la reconstruction. Un axe de recherche mené de front qui m’émeut de part ces nombreuses fenêtres ouvertes tels des fragments de vie quotidienne et des questionnements sur la réalité d’une vie de famille, d’une vie de couple, d’une vie de femme ou simplement au travers d’un regard d’enfant… Thèmes représentatifs qui méritent de s’y arrêter et invitent tout un chacun ! Retrouvez l’interview-vidéo de Beatriz Guzman Catena remplie de douceur, de sincérité….et prenez le temps de découvrir ses oeuvres à mi-chemin entre la création et les imaginaires sociaux.
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La capacité de l’œil et de l’esprit à fondre les taches de couleur pour former une image est à l’image de la quête du graal pour le peintre allemand ANDREAS LAU. Observer les œuvres d’art d’Andreas Lau est une expérience optique passionnante puisque son arrangement pictographique semble émerger devant nos limites de vision. Le mélange de la couleur est réalisé par l’œil et non par le pinceau comme si la peinture se pixelisait. La ligne graphique et dynamique de ses œuvres apporte de la profondeur à ses toiles et prennent toute leur grandeur avec la distance. Les oeuvres d’Andreas Lau font partie de la prestigieuse Collection du Musée Kunsthalle Würth en Allemagne exposées auprès d’artistes de renommée mondiale. Lors de l’exposition de ses peintures à la foire d’art contemporain Art Karlsruhe 2020 en Allemagne, nous avons présenté sa nouvelle monographie intitulée “Schicht/Sicht” Painting by Andreas Lau.
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